Portant toutes ses provenances et influences sur ses manches en bois et en matière de modelage, dans tous les sens Pinocchio de Guillermo del Toro est ce qu’il est.
En fait, cette phrase tautologique, synonyme de résignation et d’acceptation des défauts, surgit dans les dernières minutes du film. C’est comme une affirmation que tout comme la vie est désordonnée et merveilleuse, il en va de même pour cette adaptation ample, parfois irrégulière mais souvent belle du livre épisodique de Carlo Collodi sur une marionnette en bois vivante, publié pour la première fois à la fin du 19e siècle, rendu ici via une animation en stop-motion superbement exécutée.
Pinocchio de Guillermo del Toro
L’essentiel
Il n’y a pas de cordes pour l’attacher.
Le long métrage d’animation de Walt Disney de 1940 a réduit les parties les plus sombres et les plus cruelles du matériel source et a poncé les éléments les plus cauchemardesques. (Mais pas tout le chemin ! Au fil des ans, de nombreux enfants ont été psychologiquement marqués par ces transformations d’ânes.) Cette version du matériel, co-dirigée par del Toro et Mark Gustafson (directeur de l’animation sur Wes Anderson’s Fantastique M. Fox) et co-écrit par del Toro et Patrick McHale (de la série animée Temps de l’aventure), remet bon nombre des parties effrayantes de Collodi, mais bien plus encore. Il n’est pas plus « fidèle » à sa source que la version Disney ou l’essentiel des productions cinématographiques, télévisuelles et théâtrales nombreuses et variées qui ont le nom « Pinocchio » dans le titre.
C’est une force. Via une sorte de jujitsu thématique, les cinéastes ont transformé ce qui a souvent été lu comme un conte de moralité prêchant l’obéissance chez les enfants en une allégorie sur « les pères imparfaits et les fils imparfaits », pour citer la narration en voix off de Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor) — un conte qui incite à accepter les gens pour ce qu’ils sont. Il célèbre même la désobéissance d’une certaine manière, en particulier lorsque les fascistes sont désobéis, une leçon opportune pour les tout-petits aujourd’hui. Ces fascistes sont la vieille école, la variété adoratrice de Benito Mussolini des années 1930-40, incorporée directement dans l’action via le décor mis à jour en Italie au début de la Seconde Guerre mondiale. Il Duce, ou Il Dulce comme l’appelle Pinocchio, fait même une apparition, en tant qu’invité d’honneur du spectacle de marionnettes, notre héros dérivé du pin (exprimé à merveille par l’enfant acteur britannique Gregory Mann) a été contraint d’apparaître.
Il y a beaucoup d’inventions originales dans le scénario de del Toro et McHale qui sont efficaces, puissantes et brillantes, comme ce changement de période. Diviser efficacement la fée bleue qui donne la vie en deux créatures magiques différentes peintes dans différentes nuances de bleu – l’un un sprite forestier bienveillant et l’autre une créature ressemblant à un sphinx appelée Death pas moins, qui continue de ramener Pinocchio à la vie – est également inspiré. (Les deux sont exprimés par Tilda Swinton à travers un effet déformant, comme un vocodeur malveillant.)
Il en va de même pour le préambule qui montre Geppetto (David Bradley, ayant un automne 2022 chargé avec ça, Catherine dite Birdy et Alléluia) et son fils aîné à chair humaine Carlo (également Mann) vivant dans une co-dépendance extatique et presque malsaine avant que Carlo ne soit tué par une bombe perdue sur une église pendant la Première Guerre mondiale. Ce dernier mouvement souligne à quel point ce a toujours été une histoire construite sur le chagrin et la perte, remontant au texte original dans lequel la Fée Bleue, comme tant de mères abattues par l’accouchement lui-même, est apparemment tuée.
Ni nécessairement bonne ni mauvaise est la façon dont le film fait signe au-delà de Collodi au travail de l’un de ses réalisateurs. Comme si mettre son propre nom dans le titre ne suffisait pas, del Toro fait sentir sa présence dans presque toutes les images. Des créatures surnaturelles avec des mirettes étranges éparpillées sur leur corps – comme l’un des monstres les plus célèbres de Le Labyrinthe de Pan les yeux dans les mains — aux décors carnavalesques qui rappellent son dernier long métrage, Allée des cauchemarset les royaumes aquatiques faisant écho La forme de l’eau et d’autres efforts de back-catalogue, le film joue parfois comme un album des plus grands succès des tropes del Toro. Les fans passionnés de l’auteur, dont le nombre est légion, s’évanouiront probablement devant l’auto-citation; les téléspectateurs plus critiques et moins indulgents pourraient trouver cette auto-référence comme un signe distrayant de grandiosité ou même simplement de paresse.
Personnellement, je suis quelque part entre les deux. Étant le genre de critique qui n’a presque jamais rencontré un travail d’animation en stop-motion qu’elle n’aimait pas, surtout si c’est juste sur le point d’être trop effrayant pour les enfants, et qui aime toute adaptation de Pinocchio, ce film est en plein dans mon sweet spot. Le fait que les cinéastes choisissent délibérément, selon les notes de presse du film, de rendre l’animation un peu bégayante, attirant l’attention sur la technique et non lissée comme on aurait si facilement pu lui donner la technologie moderne, est la cerise au marasquin sur le endroit doux.
De plus, nous obtenons de délicieuses pépites de vallée étranges dans les conceptions de personnages pour les personnages vivants, non en bois, les gens qui sont expressifs mais pas aussi expressif, nous gardant toujours conscients du fait que nous regardons un spectacle de marionnettes en stop motion. Le meilleur est le comte Volpe (exprimé de manière crémeuse par Christoph Waltz), un imprésario furtif et dégingandé qui est un mélange du renard et de Mangiafuoco dans le texte de Collodi, un personnage aux cheveux fantastiques comme une haie de hêtres cuivrés en colère qui a remporté un bataille avec une tondeuse à gazon.
Son mini-moi singe facilitateur Spazzatura (le mot signifie poubelle en italien) est une pièce de conception moins efficace, ressemblant à un cadavre de ouistiti réanimé, mais c’était peut-être entièrement intentionnel. Il est cependant délicieux que les divers grognements, cris et caquètements simiens de Spazzatura, ainsi que quelques lignes étranges en anglais réel, soient exprimés par Cate Blanchett. C’est peut-être le plus grand exemple d’un acteur distingué et fêté embauché pour faire des bruits d’animaux depuis que George Clooney a fait la voix de Sparky le chien gay sur Parc du Sud.
Là où le film est plus problématique, c’est dans le montage et le rythme, un défaut qu’il partage avec trop de fonctionnalités produites par Netflix. Même si, encore une fois, c’est bien que de la place soit faite pour des digressions excentriques et des gags visuels comme, par exemple, des scènes avec des lapins jouant aux cartes qui font écho aux célèbres peintures de Cassius Marcellus Coolidge de chiens jouant au poker, ce n’est pas si drôle que nous devions le voir deux ou trois fois de plus. Je suis tenté de dire qu’il y a un film plus maigre et plus fort à l’intérieur qui aurait pu être persuadé, mais à la lumière du message du film sur l’acceptation des gens tels qu’ils sont, nous ne devrions peut-être pas non plus faire honte à ce film. C’est ce que c’est, et c’est parfaitement imparfait.
