Producteur, scénariste, auteur à succès et désormais réalisateur primé, Genki Kawamura est surtout connu pour son travail sur le méga succès d’anime de Makoto Shinkai en 2016 votre nom. Commençant sa carrière à Toho, son talent a été repéré très tôt et on lui a confié des fonctions de producteur sur des projets majeurs dans le plus grand studio du Japon.
En 2010, il a travaillé sur le Aveuxun succès au box-office qui a été présélectionné pour un Oscar en langue étrangère, et Lee Sang-il acclamé par la critique Méchant. Cette même année, il était le seul représentant du Japon en Le journaliste hollywoodien‘s Next Generation Asia liste des talents à venir dans la région. Il écrit son premier roman Si le chat a disparu du monde en 2012; un succès critique et commercial, il s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires au Japon, a été un succès en Chine, à Taïwan et en Corée du Sud, et a été transformé en film quatre ans plus tard par la Toho.
Alors que les succès des films et des livres continuaient à arriver, il s’est lancé dans l’écriture de scénarios pour l’action en direct et l’anime. Le rôle de Kawamura en tant que producteur sur Votre nom, qui a coûté plus de 350 millions de dollars lors d’une course record, lui a valu encore plus d’attention au pays et à l’étranger. Les droits de remake ont été achetés par Bad Robot Productions de JJ Abrams, avec Kawamura attaché en tant que coproducteur.
Kawamura a créé sa propre société de production STORY Inc. avec Yoshihiro Furusawa en 2017, dans laquelle Toho a investi et a un accord de premier regard. Cette année, Kawamura a filmé son propre roman de 2019 Une centaine de fleurs (Hyakka), gagnant du prix du meilleur réalisateur à Saint-Sébastien. Le film est projeté au Festival international du film de Tokyo, où le premier réalisateur donne également deux conférences. Le conteur affable s’est assis avec Le journaliste hollywoodien à STORY, à deux pas du festival, pour parler de la mise en scène, de son admiration pour Bong Joon-ho, le votre nom remake et les avantages de sortir des réseaux sociaux.
Félicitations pour vos débuts en tant que réalisateur. Avez-vous toujours eu l’intention de réaliser éventuellement?
Je n’avais vraiment pas l’intention d’être réalisateur. C’était pareil pour les romans, je ne voulais pas être romancier quand j’ai commencé à écrire. Mon intérêt fondamental est de raconter des histoires : lorsque la meilleure façon de le faire est par l’action en direct, je fais un film d’action en direct, lorsqu’il s’agit d’un anime, alors c’est un anime, lorsqu’un roman est la meilleure méthode, j’écris un roman. Quand je peux m’exprimer le mieux à travers la production, c’est la voie que j’emprunte. avec A Hundred Flowers, j’ai pensé que le réaliser était la meilleure façon de réaliser ma vision, alors je l’ai réalisé. Ce qui m’intéresse le plus, c’est quelle est la manière la plus engageante de raconter l’histoire.
J’ai toujours pensé que tu dirigerais un jour…
Ah bon? C’était vraiment dur. Donc, parce que j’aime raconter des histoires, j’aime écrire des scénarios et éditer, et écrire des romans. Mais en réalité, le tournage est un travail très dur; vous avez le temps, les acteurs ne livrent pas exactement la performance que vous recherchez, le personnel effrayant se met en colère contre vous. Bien sûr, pouvoir communiquer avec des réalisateurs talentueux, Shinkai et Hosoda de l’anime, et Tetsuya Nakashima [Confessions], et mon ami Bong Jong-ho, m’ont permis de découvrir comment m’exprimer. À la fin, j’ai eu un orgelet à l’œil à cause du stress. Je ne pouvais pas voir l’écran correctement ; c’était comme un signe d’arrêt. En tant que perfectionniste, je me souciais de chaque plan au millimètre près et du nombre de secondes que la caméra mettait pour tourner. Et je ne peux pas le supporter quand ça s’écarte même légèrement de ce que j’envisageais dans le roman ou le scénario, c’est pourquoi je n’avais pas réalisé. Avec l’anime, vous pouvez à peu près contrôler les choses, c’est l’une des raisons pour lesquelles il a séduit. Cependant, en tournant un film d’action, j’ai découvert que ce sont ces écarts qui rendent les choses intéressantes. Les acteurs bougent d’une manière différente de ce que vous imaginiez, Mieko Harada et Masaki Suda [Hyakka’s two leads] ont leur propre logique et imagination, et se déplacent en fonction de cela. Ou quand vous avez imaginé une scène ensoleillée mais qu’il commence à pleuvoir, et cela rend alors l’histoire beaucoup plus intéressante. De telles choses m’ont donné des idées pour mon futur cinéma.
Vous aviez beaucoup d’expérience autour des décors et de la réalisation de films, donc vous saviez à quel point cela allait être difficile, mais vous avez quand même décidé de le faire. Pouvez-vous nous parler de votre approche de la réalisation ?
Je pensais que ça ne servait à rien de faire un film qui ressemble à d’autres films japonais, ou à ce que j’ai fait en tant que producteur. Par exemple, j’ai utilisé des couleurs d’une manière que l’on ne voit pas habituellement dans les films japonais, la femme principale ne porte que du jaune, tandis que son fils porte des couleurs complémentaires comme le bleu et le violet. Cela les dépeint comme une unité mère-fils. Lorsque Dualité, un court-métrage que nous avons réalisé, a été projeté à Cannes, certains membres du jury et des critiques ont déclaré qu’ils ne pouvaient pas distinguer les acteurs japonais. Quand j’ai réalisé que les gens d’outre-mer ne pouvaient pas distinguer les visages des Japonais, j’ai pensé, oh, alors cette fois j’utiliserai des couleurs pour identifier les acteurs. J’ai également utilisé des couleurs pour aider à marquer les lieux dans le temps parce que le récit saute d’avant en arrière.
Et je l’ai tourné en une scène, un montage, influencé par Kenji Mizoguchi Ugetsu Monogatari, dont je suis un grand fan. Je pensais que la façon dont une personne pouvait changer en une seule coupe était effrayante et une manière efficace de décrire la maladie d’Alzheimer. Brouiller les frontières entre les rêves et la réalité est quelque chose que Mizoguchi a si bien fait et que j’ai essayé de faire dans ce film. La scène du supermarché qui tourne en boucle en une seule coupe utilise une technique employée dans l’anime. Donc, de Mizoguchi, mais aussi ce que j’ai appris dans l’anime (rires). Peut-être que je suis le seul réalisateur d’action réelle qui fait aussi des anime, produit et écrit des romans. J’ai senti que j’étais capable d’exprimer mon identité et d’utiliser toute mon originalité pour faire ce film.
Quelle était la raison pour laquelle vous avez choisi le sujet de la maladie d’Alzheimer en premier lieu ?
Ma grand-mère a eu la maladie d’Alzheimer et quand je suis allée la voir pour la première fois depuis longtemps, elle m’a demandé ‘Qui es-tu ?’ C’est une question que vous pourriez recevoir d’un tout-petit, mais pas d’un adulte. Tout en me sentant triste, j’étais aussi fasciné par ce qui se passait dans sa tête. J’ai commencé à lui rendre visite chaque semaine et je parlais de ses souvenirs du passé. En parlant de la première fois qu’elle m’a emmené pêcher en mer, où j’ai attrapé un gros poisson, elle m’a dit que ce n’était pas la mer mais un lac. J’ai pensé qu’elle devenait sénile mais quand je suis rentré chez moi et que j’ai regardé dans un album photo, c’était au bord d’un lac. J’ai réalisé que mes propres souvenirs étaient faux, à côté de l’Alzheimer de ma grand-mère ; c’est un phénomène fascinant. À la fin, ma grand-mère s’est souvenue de beaucoup d’épisodes qui étaient importants pour elle : ils se sont épanouis comme cent fleurs. C’est pourquoi j’ai donné ce nom au roman. Les humains sont faits de leurs souvenirs plutôt que de leur corps physique.
Cela fait cinq ans que vous êtes devenu indépendant de la Toho pour former STORY, était-ce la bonne décision ?
Eh bien, nous avons une relation étroite avec Toho. Il y avait un endroit appelé l’appartement Tokiwa où les génies du manga Tezuka Osamu, Shotaro Ishinomori et Fujio Akatsuka vivaient et travaillaient à Tokyo. Je voulais créer un espace comme celui-ci pour le monde du cinéma, où des créateurs talentueux tels que Makoto Shinkai peuvent passer et des idées d’histoires peuvent naître. C’est un bureau assez petit, il n’y a que 12 membres du personnel et nous ne prévoyons pas d’augmenter ce nombre. Et lors d’une visite à Hollywood pour le votre nom remake, j’ai vu beaucoup de petits bureaux sympas et j’ai été inspiré pour essayer de créer quelque chose de similaire. Et nous faisons la série Netflix [The Makanai: Cooking for the Maiko House] avec Bun-Puku de Hirokazu Kore-eda, qui est aussi un petit bureau de créatifs. C’est formidable d’avoir cette liberté, et il y a aussi maintenant plus de canaux de distribution.
C’est votre première série live-action, n’est-ce pas ?
Ouais, et avec moi-même et Kore-eda créant une série dramatique, et avec une équipe de premier ordre, c’est comme faire neuf films d’affilée, beaucoup de travail. C’est le genre de chose qu’il ne faut essayer de faire qu’une fois tous les dix ans (rires). L’idée est venue d’une jeune productrice d’ici, basée sur un manga, avec des thèmes de Kyoto et de la cuisine japonaise. Et Kyoto était vide à cause du manque de touristes [Japan was still largely closed to visitors], donc c’était si facile à tirer. C’était incroyable, comme si nous avions utilisé CG pour supprimer toutes les personnes.
Y a-t-il des progrès sur le votre nom refaire?
Eh bien… il devrait y avoir une grande annonce bientôt, je pense, de Bad Robot. Les choses avancent. Faire des films indépendants en direct aux États-Unis n’est pas facile non plus maintenant. Il ne semble pas que ce soit un bon environnement pour l’émergence du prochain Jordan Peele. je me demande si Sortez serait fait maintenant.
D’un autre côté, dans le pays d’à côté, il y a Bong Joon-ho, qui est un ami et un peu un mentor. Il a toujours la capacité de surprendre. Il fait un vrai film policier, puis quand on se demande ce qu’il va faire ensuite, c’est un film de monstre, puis c’est un train [Snowpiercer] ensuite c’est un cochon [Okja]puis le demi sous-sol [Parasite]. A chaque fois c’est surprenant ; il a à la fois ce sens des idées et sa capacité à raconter des histoires. Il a dix ans de plus que moi, mais certainement un niveau à viser. Lorsque j’ai remporté le prix du réalisateur à San Sebastián, le premier message de félicitations était de Bong Joon-ho. J’avais l’impression d’avoir fait un tout petit pas vers lui, juste un tout petit (rires).
J’ai lu dans une interview d’il y a environ cinq ans que vous quittiez tous les réseaux sociaux, êtes-vous resté fidèle à cela ?
Je ne suis pas sur tout ça. Je pense que publier sur les réseaux sociaux sape votre créativité en tant que conteur. Je garde le mien pour les romans et les films (rires). Et ce que vous prenez comme information est vital. Ainsi, obtenir vos informations à partir d’une plate-forme avec des dizaines de millions d’utilisateurs n’est pas idéal. Je me promène en ville, j’achète de vrais journaux, je vais à la librairie et j’achète de vrais livres. C’est mon travail mais aller au cinéma pour regarder des films, c’est comme si c’était devenu une forme de divertissement rare. J’ai confiance que c’est de là que je puiserai des idées et de l’inspiration, pas des milliers de likes sur les réseaux sociaux.
